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Publicación de noticias sobre gadgets y tecnología. Últimas tecnologías en electrónica de consumo y novedades tecnológicas en móviles, tablets, informática, etc
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    Emily Blunt Es Mary Poppins

    Emily Blunt es ya oficialmente Mary Poppins. Ya tenemos la primera imagen de la actriz caracterizada como la famosa niñera en la nueva la secuela del clásico de Disney. Una imagen en la que la actriz está recién salida del set de rodaje.

    La secuela de Mary Poppins está dirigida y producida por Rob Marshall, y Mary Poppins Returns introducirá tres nuevos niños de la familia Banks y estará establecida en la era de la Depresión de Londres en 1930. La cinta contará la historia de un Michael y una Jane ya crecidos cuando la nana Mary regresa a sus vidas junto al optimista farolero, y utiliza sus destrezas mágicas para ayudar a la familia a redescubrir la diversión. Mary Poppins

    Emily Blunt luce el bonito traje azul de la niñera, el sombrero rosa y el maletín mágico que originalmente llevó Julie Andrews en el clásico de 1964. Poco a poco iremos viendo imágene de la película, cuya fecha de estreno está prevista para diciembre de 2018.

    En esta esperada secuela, además de Emily Blunt, también veremos a otras grandes estrellas como Meryl Streep, Ben Wishaw, Emily Mortimer, Julie Walters, Colin Firth, Angela Lansbury, Lin Manuel Miranda y el regreso del legendario Dick Van Dyke.

    Imagen | Disney

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    La Seduccion 8

    Tras hacernos vivir historias de personajes del siglo XVIII, XX y XXI en momentos cruciales de sus vidas, la directora Sofia Coppola viaja en esta ocasión al siglo XIX con La Seducción, para la que ha escrito el guión adaptado a partir de la novela homónima The Beguiled de Thomas Cullinan. Una fantástica película que también dirige y con la que ya ha hecho historia, alzándose con el premio a la Mejor Dirección en el pasado Festival de Cannes.

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    Para esta nueva aventura, la oscarizada cineasta cuenta con nuevos y habituales colaboradores, tanto entre el reparto como tras las cámaras. Coppola vuelve a reunirse con dos de sus protagonistas favoritas, Kirsten Dunst y Elle Fanning, y dirige por primera vez a Colin Farrell y a Nicole Kidman.

    La película

    La Seduccion Elenco

    La trama, salpicada de elementos propios de un tenso thriller psicológico, se desarrolla en 1864, a los tres años del comienzo de la Guerra de Secesión. La historia se desarrolla durante la Guerra de Secesión en un colegio femenino del sur de Estados Unidos. Sus alumnas viven allí refugiadas del mundo exterior hasta que descubren a un soldado enemigo herido y deciden acogerlo. Su presencia en la institución despertará tensiones sexuales y peligrosas rivalidades que incitarán a romper todos los tabúes en un inesperado giro de los acontecimientos.

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    La vida de las mujeres del internado en plena guerra está, cuando arranca la historia, muy ritualizada. Se levantan por la mañana, trabajan en el jardín un rato... Rezan, tocan instrumentos, reciben clases de francés, cenan y se acuestan. Así transcurre su existencia hasta que todo cambia radicalmente al acoger a un soldado herido.

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    Dadas las restricciones de la sociedad en la que las mujeres vivían, hubo que investigar mucho en la fase de preproducción. Anne Ross, una de las productoras, nos cuenta que necesitaban “saber al menos qué era lo históricamente correcto antes de hacer concesiones para contar una historia adaptada a la ficción". Sofia y ella comenzaron a hacer lo que acostumbrar para todas las películas: compartir fotos, reunir material que nos inspiraba, realizar composiciones de collage y planificar el alcance de la película”. Los elementos de inspiración van desde el drama australiano Picnic at Hanging Rock a los artísticos retratos del pintor John Singer Sargent.

    El vestuario

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    La responsable del vestuario es Stacey Battat. LA diseñadora ya ha trabajado con Coppola en títulos anteriores como A Very Murray Christmas, The Bling Ring, y la película de Focus Features Somewhere. Al comienzo de su carrera, Battat trabajó para Marc Jacobs. De ahí, pasó a trabajar como estilista de moda con fotógrafos como Dusan Reljin, Annie Leibovitz y Brigitte Lacombe, y colaborando con Vanity Fair, GQ y W.

    Su carrera como diseñadora de vestuario comenzó cuando la guionista/directora Zoe Cassavetes le pidió que trabajara en su largometraje de producción independiente Broken English, protagonizado por Parker Posey. Ella nunca había trabajado en una película de época, así que esta ha supuesto un nuevo reto.

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    El fantástico vestuario de la película está inspirado en prendas propias del siglo XIX pero con algunas revisiones. Si el reparto de por sí podía viajar al pasado en esas localizaciones y con ese atrezo, el departamento de Battat se aseguró de sumergir a los actores aún más en la historia con trajes hechos a mano. Enfundarse las prendas ayudó mucho a todos a meterse en sus personajes.

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    "Corsé todos los santos días. Tenían que medirnos el talle a diario porque preparaban las faldas a medida. Había tantos botoncitos minúsculos que era imposible vestirse o desvestirse sin ayuda. Llevar corsé te obligaba a caminar y mantener una postura totalmente distinta. Stacey hizo un gran trabajo con esas faldas suaves y ceñidas," explica Elle Fanning.

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    Las faldas se lavaban para que quedaran desgastadas y para transmitir que los personajes tenían un vestuario limitado disponible, en aquel entonces. Por si no era suficiente, se consiguió un acabado aún más desvaído para los vestidos dejándolos expuestos al sol del mediodía. Estampados de topos, flores liberty y cuadros vichy visten blusas de estilo victoriano y maxi faldas de volumen y de cintura ajustada.

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    Nicole Kidman, a la que le pareció muy emocionante trabajar con un grupo de mujeres y luego meter a Colin en la ecuación, nos cuenta que le fascinó el modo en que Sofia compuso el look de la película: "tenía ideas muy contundentes sobre el aspecto que quería que tuviese todo, incluidos atuendos y sets, todo ello ciñéndose a los parámetros de un presupuesto ajustado". A la actriz le encanta apoyar a Sofia porque "siempre me ha parecido que crea películas muy atmosféricas con un estilo totalmente personal."

    La Seduccion

    Battat decidió que sus protagonistas no llevarían esas faldas enormes con armazón. Simplemente vestidos y no exagerados. "Los vestidos que salen podrían llevarse hoy en día, ya que la intención era que el vestuario resultase auténtico respecto a la época, además de cercano, real y atractivo para el gusto actual".

    La Seduccion 7

    Respecto a los colores, todo está tan difuminado que las paletas se funden unas con otras, y así las mujeres transmiten un aspecto de unidad.

    Trailer

    A continuación os dejo el tráiler para ir abriendo boca antes de su fecha de estreno el próximo 18 de agosto:

    Sofia Coppola apunta que: "Esta historia me atrajo en principio porque era sobre un grupo de mujeres, y me recordó un poco a Las vírgenes suicidas, con chicas aisladas del mundo. Además, nunca había hecho una película sobre mujeres de diferentes edades en distintos momentos de su vida, y sobre cómo se relacionan entre sí. En esta historia, cada una de ellas se relaciona de un modo único con el hombre". Fotos | Universal Pictures

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    Rihanna Valerian

    Comienza un fin de semana muy femenino en lo que a la cartelera de cine se refiere. Además de La Seducción la película dirigida por Sofia Coppola, la cantante Rihanna y Cara Delevingne protagonizan Valerian y la ciudad de los mil planetas, la nueva producción de aventuras de Luc Besson, la película que nos ocupa y en la que Rihanna nos cuenta su experiencia como actriz 'principiante'.

    Argumento

    Cara

    Valerian (Dane DeHaan) y Laureline (Cara Delevingne) forman un equipo de agentes especiales encargados de mantener el orden en todos los territorios humanos. A las órdenes del Ministro de Defensa, los dos se embarcan en una misión a la ciudad de Alpha, una metrópolis en constante expansión, donde especies de todo el universo han convivido durante siglos para compartir conocimientos, inteligencia y cultura. Hay un misterio en el centro de Alpha, una fuerza oscura que amenaza la pacífica existencia de la Ciudad de los Mil Planetas. Valerian y Laureline disponen de poco tiempo para identificar la amenaza y salvar no sólo Alpha, sino el futuro del universo.

    Rihanna

    Valerian

    Rihanna interpreta a Bubble, una artista que cambia de forma, una alienígena con la capacidad de adoptar la forma que quiera, y cuyos excepcionales talentos resultarán muy útiles cuando ayude a Valerian a desempeñar un papel significativo en su misión de rescate.

    Como actriz, aún soy una principiante y, a menos que trabaje con alguien que sea bueno, no aprenderé

    La estrella del pop mundial e icono rebelde de la moda por derecho propio, era la primera elección de Besson para interpretar a Bubble. El guionista y director nos cuenta que: “todo el mundo decía: ‘Olvídalo, es imposible. “A lo que yo respondía: ‘No cuesta nada intentarlo’”. Besson organizó una reunión con la megaestrella y se quedó encantado al descubrir que estaba interesada en abordar su primer papel cinematográfico en el género de la fantasía. Me dijo: ‘Como actriz, aún soy una principiante y, a menos que trabaje con alguien que sea bueno, no aprenderé’, y el resultado fue fantástico: "seguía muy bien las indicaciones, captó todos los detalles y fue una delicia trabajar con ella".

    Valerian Rihanna

    Rihanna recuerda entusiasmada que “fue muy divertido ir cambiando de un aspecto a otro. Hubo muchos cambios de maquillaje y de pelo. El estilo Cleopatra fue el que llevó más tiempo, porque tenía muchísimos detalles, y tenía que llevar maquillaje resistente al agua. Pero mi conjunto favorito fue el de enfermera, que era todo de látex y me hacía sudar”.

    La cantante se maravilla y alaba el trabajo de su director. “Revisaba mi maquillaje, me decía lo que opinaba de cada conjunto y me preguntaba cómo me sentía. Si no me gustaba algo y quería cambiarlo, estaba dispuesto a ello, porque quería que me encantara Bubble y que la hiciera mía. Aún soy una recién llegada al cine, así que Luc tuvo mucha paciencia y se lo agradecí. Sabe exactamente cómo sacarte la interpretación que busca”.

    Vestuario

    Cara Valerian

    Besson reunió al equipo de colaboradores habituales para coordinar el diseñador de producción, el diseñador de vestuario y el director de fotografía: “si tratas cada uno de esos elementos por separado, vas a tener problemas. La sinergia tiene que venir de los tres, así que, cada día, quería que el director de fotografía viera el vestuario y que el diseñador de vestuario viera los decorados. Estábamos constantemente intercambiando información”.

    Este equipo principal estaba formado por el veterano diseñador de vestuario Olivier Bériot, cuya ropa pudo verse en “Lucy” y en el thriller producido por el propio Besson “Venganza”, el director de fotografía Thierry Arbogast y el diseñador de producción Hugues Tissandier, que ya había colaborado anteriormente con Besson en “Lucy”.

    Valerian 5

    Antes de que Bériot diera su primera puntada, Besson ya había planificado hasta el último detalle de las prendas. “Empezamos con dibujos en los que yo le decía al artista conceptual: ‘Me gustan las mangas aquí, pero no la parte de atrás’, o ‘no me gustan los pies, pero me gustan los pantalones’”.

    Supervisando a docenas de empleados en tres departamentos, Bériot empezó a trabajar en junio de 2015, siete meses antes de comenzar a rodar. “Luc ya había pasado mucho tiempo con ilustradores, así que me mostraba dibujos muy precisos de Valerian y Laureline con sus trajes espaciales y me decía: ‘Quiero esto’”, desvela Bériot. “Se trataba de transformar la información del cómic en los detalles y la riqueza que se necesita para la gran pantalla”.

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    Tal vez el elemento más importante de todo el vestuario son los trajes espaciales que llevan los aventureros héroes de la película. “En el cómic original, los trajes espaciales son súper importantes”, comenta el diseñador de vestuario. “Valerian y Laureline llevan trajes espaciales blancos, muy propios de los años 70. Al modo de ver de Luc, necesitábamos un traje de aspecto más futurista, casi como de superhéroe, que fuera a la vez funcional y a la moda.

    Una parte parece una armadura, liso como un traje de buzo, pero en realidad es espuma pintada con pintura metálica. Las partes rígidas están hechas con resina epoxi y el cuello parece brillante de cerca. Mi idea era mantener la cintura lo más estrecha posible tanto para Dane como para Cara, de modo que la figura en la gran pantalla quedara preciosa”.

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    Cara Delevingne se quedó entusiasmada con su traje espacial en cuanto se lo puso: “Nunca me había sacado tantas fotos de mí misma en mi vida”, comenta riendo. “Es lo más alucinante que existe. Está básicamente hecho de plástico cosido en un traje de neopreno, pero queda increíble”.

    Los trajes se diseñaron para que permitieran pelear, además de tener buen aspecto. “Con tanta acción, costaba mantener todas las minúsculas luces led sujetas y conectadas, aunque me temía que las escenas de acción fueran a resultar imposibles, al final era fácil moverse con el traje espacial”, comenta Delevingne.

    Bériot fundó su propia empresa en París, que cuenta con un taller de costura, un departamento dedicado a esculturas hechas con resina epoxi, espuma o plástico, un equipo de expertos en envejecimiento y teñido, además de dos electricistas. Era comparable a una firma de diseño y moda, aunque especializada en alta costura intergaláctica. “Queríamos imaginar cosas extrañas que no se hubieran visto nunca, y orientamos al departamento de peluquería y maquillaje en esa dirección”, concluye Bériot.

    Tráiler

    Fotos | Eone

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    La Batalla De Los Sexos

    Emma Stone y Steve Carell se enfrentan en la pista de tenis en esta historia donde interpretan a la campeona mundial femenina Billie Jean King y al ex campeón Bobby Riggs. La película, posicionada ya en la carrera de los Oscar, está ambientada en 1973, y lo que cuenta es una historia real en plena estela de la revolución sexual y del auge del movimiento feminista.

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    Este mítico partido fue anunciado como La batalla de los sexos y se convirtió en uno de los acontecimientos deportivos de mayor audiencia de todos los tiempos, alcanzando la cifra de 90 millones de espectadores en todo el mundo.

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    El año 1973 fue decisivo en el curso de la historia de EE.UU: el lanzamiento de la revista Ms.,la aprobación del Título IX, la ratificación por parte del Congreso de la Enmienda de Igualdad de Derechos y la sentencia del Tribunal Supremo en el caso de Roe contra Wade. Pero, a pesar de todo ello, las mujeres seguían luchando para simplemente conseguir una tarjeta de crédito a su nombre. Un año en el que todo tipo de murallas (raciales, de género, religiosas y de orientación sexual) estaban empezando a desmoronarse.

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    Las mujeres estaban organizándose y manifestándose como nunca antes lo habían hecho, y sin embargo seguían ganando sólo el 58% del salario de los hombres, y las puertas de las oportunidades permanecían cerradas a cal y canto en cada actividad de la vida. Seguía habiendo un largo camino por delante, pero era un momento en el que el cambio era palpable. Y esto impulsó a los realizadoras a hacer esta película.

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    Entonces ocurrió algo que rompería un tipo distinto de lanza en favor de la igualdad, algo que llegaría justo al corazón de la cultura popular. Fue descaradamente llamado la “Batalla de los Sexos”: un partido individual de tenis entre la estrella femenina entonces en alza, Billie Jean King, de 29 años, y el antiguo campeón masculino Bobby Riggs.

    La película

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    La película está dirigida por el matrimonio en la vida real Jonathan Dayton y Valerie Faris (Pequeña Miss Sunshine), con un guión de Simon Beaufoy (Slumdog Millionaire), y protagonizada, como os he comentado anteriormente, por Emma Stone (Billie Jean King) y Steve Carell (Bobby Riggs).

    El bombo que se dio al encuentro, el espectáculo en que se convirtió y la búsqueda de la igualdad que sigue inspirando. A medida que la rivalidad entre King y Riggs fue subiendo en intensidad, fuera de la pista cada uno estaba librando sus batallas más personales. King no sólo era abanderada de la igualdad, sino que además luchaba por aceptar su propia sexualidad a medida que su amistad con Marilyn Barnett (Andrea Riseborough) iba evolucionando.

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    Mientras 90 millones de espectadores de todo el mundo permanecían en vilo pegados a sus asientos, el enfrentamiento entre Bobby y Billie Jean estaba destinado a estremecer al mundo. Cuando el árbitro cantó “juego, set y partido”, algo nuevo había surgido: una época en la que el deporte ya no estaba separado de la política y el cambio social, sino que formaba parte de ambos. Dayton dice que: "el proyecto fue un reto. Es a la vez una película de deporte, una historia de amor, un drama sociopolítico y, en ocasiones, una comedia".

    El papel de Emma Stone

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    Emma Stone realiza una interpretación sublime. La película es el relato de un acontecimiento deportivo histórico, pero a la vez muestra la intensa transformación personal y privada de una mujer sometida a una intensa exposición pública.

    La actriz explica que: “El efecto que ello provocó en la vida de Billie Jean King, en la sociedad y en el deporte fue inmenso. No me consta que ella pudiera siquiera haber sabido que la extraordinaria repercusión de ese día seguiría transmitiéndose a tantas y tan diversas áreas. Pero, en ese momento, creo que ella sintió el peso de saberse representante de todo el movimiento feminista y eso hizo que el partido le apasionara aún más”.

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    Emma se entrenó con el preparador de Matt Damon en las películas de Bourne, y lo que tiene la máxima importancia, fue capaz de captar el espíritu de Billie Jean. Ella realizó su propia investigación, leyendo, viendo y absorbiendo todo cuanto pudo. “Quería conocer todo lo que me fuera posible; y por encima de todo, aquello por lo que estaba pasando Billie Jean, ¡es tanto lo que el público no veía entonces!", explica la actriz.

    Otro aspecto del carácter mental de King que impresionó a Stone fue la forma como sobrellevó la presión extrema: la de entrenarse para vencer a Riggs en el partido a la vez que trataba de poner en marcha la WTA (la final) y al mismo tiempo que se enfrentaba a su sexualidad y su difícil situación por la igualdad de salarios.

    “Billie Jean dice a menudo que la presión es un privilegio, pero ella estaba sometida a un volumen descabellado de presión. Y creo que ella seguía formándose de muchas maneras. Mientras la interpretaba, yo trataba de tener en mente las cinco o seis cosas que estaban ocurriendo en su vida a la vez y, de verdad… no sé cómo no se asfixió por completo,” apunta la actriz.

    Vestuario

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    Mary Zophres es la responsable del vestuario, que precisamente supone la tercera película en la que viste a Emma Stone. El año 1973 no fue sólo un año de cambio social, también hubo un cambio en la moda, lo que facilitó a la diseñadora de vestuario una gran dosis de inspiración. “Cuando se piensa en la historia de la moda, fue a finales de los sesenta y en los setenta cuando la idea de autoexpresión por medio de la ropa comenzó realmente a entrar en juego. Y queríamos que la película lo recogiera”, explica.

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    El vestuario es de estilo setentero: vestido de faldas acampanadas y pantalones de campana son los protagonistas. En concreto los looks de Emma Stone eran algo más rudos. Cualquier cosa que diera la sensación de no resultar deportiva o ser demasiado mona fue descartada y emplearon camisas de vestir, jerséis de cuello alto y chalecos.

    En la pista, Zophres volvió a los diseños de Ted Tinling, que eran los protagonistas en el mundo del tenis en aquel momento. "Tinling tenía la imaginación más maravillosa," dice Zophres. "Cuando se incorporó al circuito femenino, abrazó la idea de que ya no tenían que ceñirse a las viejas normas de etiqueta del tenis. Lo principal era el color, y unos diseños de buen corte y llamativos. Recrear sus prendas resultó extraordinariamente divertido, nunca antes había hecho nada parecido”. Y es que los vestidos de tenis están cargados de detalles, con grandes cuellos y son de mucho color.

    Otro reto surgió a la hora de hallar las zapatillas características de King. “Yo tenía unas Adidas azules y tuve que luchar para llevarlas. Creo que yo fui la primera jugadora que llevó zapatillas de color y, si se fijan, el azul de las zapatillas hacía juego con mi muñequera. Yo era muy maniática para estas cosas”, nos cuenta la propia King. Adidas ya no fabrica una zapatilla semejante y no fue posible encontrar pares de época, así que Zophres hizo una petición especial a la marca sobre el patrón. Finalmente la firma encontró el patrón original de esas zapatillas y el equipo de vestuario las fabricaron a medida para Emma en azul con tres bandas blancas y las iniciales de Billie Jean.

    La Batalla De Los Sexos 195 Bots 12838 Para crear el vestuario de Bobby Riggs, Zophres colaboró estrechamente con Steve Carell a fin de establecer una silueta fuerte, inimitable de pies a cabeza desde el mismo segundo en que aparece por primera vez en la pantalla: a medio camino entre el mundo acartonado del pasado y unas excéntricas ganas de ser él mismo. Una de las prendas más destacadas de su vestuario es la réplica de la chaqueta Sugar Dady del partido (que hacía sudar y que Riggs firmó un contrato para llevarla), ya que el original se había perdido desde entonces.

    Trailer

    A continuación podéis ver el tráiler en el que podéis apreciar el machismo ridículo de Riggs:

    Esta película demuestra que las mujeres reclamamos nuestro sitio, ni más, ni menos que los hombres, sólo el mismo.

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    Michelle Asesinato En El Orient Express

    Uno de los relatos de misterio más atemporales, 'Asesinato en el Orient Express', vuelve al cine junto con el famoso detective Hércules Poirot (Kenneth Branagh), para tratar de resolver lo que se convirtió en uno de los crímenes más infames de la historia. La película está basada en la novela de Agatha Christie, publicada en 1934 y considerada una de las historias más ingeniosas jamás contada. Este remake, también dirigido por Branagh, con un fabuloso reparto y su asombrosa fotografía y vestuario, invita a los espectadores a subirse en el tren con más suspense de sus vidas.

    La película

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    El clásico de misterio de Agatha Christie, con sus ricos personajes viajando en un lujoso tren de pasajeros, sus escenas tensas y sus diálogos, ha obsesionado al público desde que se publicó la novela en 1934. Los lectores se han visto cautivados por el misterio, el crimen, la historia y el personaje de Hércules Poirot durante generaciones. El encanto del Orient Express se magnificó gracias a la obra de Christie, y los viajeros siguen acudiendo para descubrir los ilustres compartimentos y los servicios del tren hasta el día de hoy. La habitación 411 del Pera Palace Hotel en Estambul, donde supuestamente Christie escribió la novela, también sigue siendo un destino muy popular.

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    Asesinato en el Orient Express tiene glamour, elegancia, preciosos paisajes nevados, la edad de oro del romance en los viajes, y por supuesto, un asesinato. Kenneth Branagh es el director, Ridley Scott uno de los productores, Michael Green el guionista y el reparto lo forman: el propio Kenneth Branagh, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley, Josh Gad, Derek Jacobi, Leslie Odom Jr., Lucy Boynton, Sergei Polunin, Tom Bateman, Olivia Colman o Miranda Raison.

    El vestuario es casi como una novela de misterio

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    Johnny Depp, que es el gánster Edward Ratchett, dice de la película que: "tiene todo lo que cabría esperar de Agatha Christie. Muerte, asesinato, personajes interesantes, una situación inusual, a menudo glamurosa; todos esos elementos, dentro de un lugar y un viaje maravillosos, están allí. Pero realmente me impresionó ver que la historia no ha envejecido y que, de hecho, creo que se ha reinventado, lo cual es señal de que es una gran narración".

    El detective Poirot (Kenneth Branagh) y su bigote

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    El detective Hércules Poirot es uno de los personajes más famosos de Agatha Christie (ha aparecido en 33 novelas y más de 50 cuentos). Un personaje interpretado por Kenneth Branagh y clave en la historia. El actor se lo ha tenido que preparar minuciosamente, leyendo todas las novelas un año antes del rodaje y escuchando grabaciones de hasta 27 acentos belgas diferentes, de hombres de la edad de Poirot hablando en inglés, y reuniéndose con un instructor de dialecto tres veces por semana para estudiar y practicar el acento del personaje.

    Motoe Dw Watercolours Poirot

    La confección de sus trajes a medida empezó nueve meses antes del rodaje. El elemento que más tiempo llevó fue el grosor y el ángulo exactos del nudo de la corbata, y su reproducción perfecta cada vez que la usaba. Esto requirió tres meses de experimentos con telas, almidón y mucha paciencia. También le tomaron medidas para sus zapatos hechos a mano, los cuales llevó durante un período de tres meses.

    El actor también recopiló todas las descripciones escritas de los bigotes de Poirot realizadas por Agatha Christie, usando los extensos recursos del patrimonio de la escritora. Después de eso comenzó el proceso de investigación y de desarrollo de nueve meses de duración para la mini barba y bigote, que tenía que cumplir con lo que la señorita Christie describió como "el bigote más magnífico de toda Inglaterra".

    El Bigote

    "Nos llevó muchos meses diseñar el bigote: Carol Hemming [diseñador de peluquería y maquillaje] estuvo detrás del diseño, y se le ocurrió una brillante referencia. Comenzamos con una línea de Agatha Christie en la que describió a Poirot como la persona con los bigotes más magníficos de Inglaterra. Ese "bigotes" era una pista. Sabemos que lo dijo en el sentido antiguo, pero la idea de Carol era que casi debía haber un efecto de bigote doble. Tenía que serlo, porque Christie seguía usando las palabras "majestuoso e inmenso". Era casi como una máscara. Era el superpoder de Poirot, explica el cineasta.

    Penélope Cruz

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    Pilar Estravados es el nombre de un personaje que aparece en otra historia de Poirot: Navidades trágicas. Sin embargo, sólo se toma prestado el nombre, no los rasgos de carácter. Este papel está interpretado por Penélope Cruz, una apasionada misionera que tiene el afán de viajar por el mundo y hacer lo posible por mejorar un mundo imperfecto, tanto espiritual como filosóficamente.

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    La diseñadora de vestuario, Alexandra Byrne, pudo mostrar el personaje de Pilar a través de su vestuario, como explica ella: "Es una mujer que quiere negar cualquier feminidad, por lo que su ropa debe transmitir eso mismo. Saqué piezas de una casa de disfraces en Canadá, donde tenían una increíble y robusta falda pantalón de viaje que me pareció perfecta, ya que para una mujer de los años treinta usar pantalones era en realidad, una declaración de moda, pero esta falda pantalón parecía un equilibrio perfecto de practicidad y una prenda de vestir no sexual".

    Michelle Pfeiffer

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    Michelle Pfeiffer deslumbra como Caroline Hubbard, un tipo de personaje que Agatha Christie conoció en numerosas ocasiones en sus propios viajes y, a menudo, es bastante implacable al describirla. La actriz, que está soberbia, define su personaje como: "una mujer solitaria, dulce y tierna, y a menudo divertida, pero puede ser muy contundente, y para algunas personas un poco irritante y un poco intensa. Fue divertido meterse en sus zapatos."

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    Su vestuario es elegante, estiloso y con glamour. Destaca uno de los looks con un ajustado vestido color ciruela donde desprende sensualidad a rabiar.

    Judi Dench es la princesa

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    La legendaria Judi Dench es la princesa Dragomiroff, un personaje arrogante porque piensa que el tren no está a su nivel.

    Byrne tuvo el honor de crear los lujosos trajes para ella, formados por pieles, tocados y joyas. "Lo bueno de Judi es que tiene unos increíbles ojos centelleantes y que, al interpretar a una princesa, debería tener muchas joyas sacadas de Rusia durante la revolución y que tal vez quiera volver a usarlas. Adopté una línea bastante sencilla para su ropa para que las joyas y los ojos resplandecieran".

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    Daisy Ridley

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    Daisy Ridley interpreta el papel de Mary Debenham, una institutriz muy elegante aficionada a la fotografía. Es el personaje más moderno y el más cercano a una versión de Agatha Christie. El propio director dice de la actriz que tiene aproximadamente la misma edad que Agatha Christie cuando hizo uno de sus viajes por el mundo con su primer marido: "el viaje en el que aprendió a surfear en Hawái, la primera mujer inglesa que lo hizo, según tengo entendido. Le aportó la clase de fuerza y el espíritu intrépido y pionero con el que impregna a Mary Debenham. Y Daisy Ridley le aportó una modernidad asombrosa".

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    Lucy Boynton

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    Lucy Boynton es la condesa Andrenyi, casada con el conde Andrenyi y ambos son bailarines de ballet. Ella está sujeta a algún tipo de adicción o perturbación que la mantiene fuera de la vista de los viajeros a bordo del Orient Express. Hace pocas apariciones y, cuando las hace, son dramáticas y contundentes.

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    Willem Dafoe es Gerhard Hardman

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    Para componer exteriormente el personaje de Willem Dafoe (Gerhard Hardman) hubo mucho que trabajar. El actor explica que: "algo que no sabía es que en la confección hay estilos muy distintos para estadounidenses y para europeos, y que incluso entre los propios europeos hay diferencias entre Europa del Norte y los países mediterráneos, y dado que mi personaje intenta hacerse pasar por austriaco aunque realmente es norteamericano, había que debatir bastante en cuanto hasta qué punto hacer eso evidente a través del vestuario".

    Más detalles del vestuario

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    Branagh lleva trabajando con la diseñadora de vestuario más de treinta años, tanto en cine como en teatro, y como subraya el actor y director: "Su sello particular es la atención al detalle y la investigación". Y se nota, porque el vestuario es fascinante, con integridad y mucha verdad e cada uno de los looks, y como indica la propia creadora: "el vestuario es casi como una novela de misterio".

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    La diseñadora nos cuenta su forma de trabajar. "Yo parto del 'modo board', un instrumento genial porque es una forma muy visual a partir de la cual puedes discutir con el director y con los actores cómo crear la imagen del personaje. No siempre son referencias históricas, pueden ser simplemente imágenes absolutamente eclécticas de algo que yo siento que tiene que ver con el personaje, o con un punto central de la historia, o con un momento de especial emoción dentro del filme. Recopilé montones de imágenes y después las condensé en los muros de inspiración, y al hacer eso, estás revisando tus ideas".

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    Byrne estaba encantada con la época en la que se desarrolla la acción del filme ya que aún era posible hallar tejidos originales susceptibles de ser copiados, lo cual añadiría veracidad a la imagen de los personajes.

    El equipo encontró medio metro de una preciosa tela original de los años 30: "cuando la tensas, está pasada y se cae a cachos, pero te proporciona información sobre cómo era la envergadura y el color del tejido que estábamos buscando". También compraron un montón de viejos muestrarios de tejidos que no se habían abierto durante mucho tiempo, por lo que no estaban descoloridos por el sol, una referencia perfecta para lo que estaban intentando conseguir.

    Estreno el 24 de noviembre

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    En una película como ésta, la imagen exterior se convierte en una clave muy importante para el personaje. El rodaje duró trece semanas y se llevó a cabo en Longcross Studios, ubicados cerca de Londres, y en localizaciones de Malta, desde noviembre de 2016 hasta marzo de 2017. A continuación os dejo el tráiler hasta que llegue el día 24 de noviembre, fecha de su estreno:

    La fotografía de la película

    La fotografía de la película es increíble. Las columnas de humo del motor del tren, los montones de nieve a los lados de las vías del tren, el brillo de la plata fina en el vagón restaurante, las elegantes madera, piel y porcelana que adornan el vagón de Calais, el champán Veuve Clicquot al descorcharse y servirse.... estas son algunas de las inolvidables imágenes que impregnan esta exquisita producción.

    Joyas Detalle

    La producción se adentra en todas las facetas del famoso tren, en los detalles de cada servilleta, el cristal de la ventana, la mantelería de las mesas, cada pieza de porcelana o las joyas, logrando la precisión de cada imagen.

    Exposición en Madrid

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    El Museo del Ferrocarril de la capital acoge una exposición temporal, hasta el 3 de diciembre, con vestuario de la película. La muestra cuenta con piezas de vestuario y accesorios ambientados en la época en la que la famosísima escritora escribió una de sus más famosas novelas.

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    Las piezas de vestuario van desde vestidos de noche y de paseo, trajes de caballero con alzacuellos pasando por accesorios y complementos de los años 30, todo ello acompañado de los bocetos originales de la película y rodeado de un entorno único.

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    El Museo del Ferrocarril también conserva un coche restaurante llamado “Prestige” que data de los años 20 y que está fabricado por la Compagnie Internationale des Wagons-Lits (CIWL) como el famoso convoy de la novela.

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    Fotos | Fox

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    Zendaya

    “Cada uno de nosotros es especial y nadie es como otra persona”. Pasen y vean… y entren en la fascinante imaginación de un hombre que pretendió mostrar que la vida misma puede ser el espectáculo más emocionante de todos. Así es El Gran Showman, un musical dirigido por el debutante Michael Gracey y protagonizada por Hugh Jackman, Zendaya, Rebecca Ferguson, Zac Efron, Michelle Williams y Jeno Topping, entre otros.

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    Basada en la leyenda y las ambiciones del empresario de la cultura popular estadounidense, P.T. Barnum, llega a la gran pantalla una inspiradora historia que cuenta el camino de la pobreza a la riqueza de un intrépido soñador. Un hombre surgido de la nada para demostrar que todo lo que puedas imaginar es posible y que todos, sin importar lo invisibles que sean, tienen una formidable historia digna de un espectáculo de categoría mundial.

    La diseñadora Ellen Mirojnick (premiada con un Emmy por Detrás del candelabro) es la responsable del vestuario. Ella disfrutó de la misma libertad creativa que el resto del equipo de producción.

    El vestuario adopta un look que evoca la estética de las revistas de moda: “la meta era que el espectador sintiera la fantasía del romance y la alegría más que buscar la frialdad de la precisión histórica. No solo creamos un híbrido de épocas y estéticas, sino que intentamos crear un registro completamente distinto,” explica Mirojnick.

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    Mirojnick, conocida por explorar la intersección del arte, la moda y el cine, cautivó a Michael Gracey, el director, con sus diseños fuera de lo común. El vestuario combina elementos actuales, con los de época, otros de alta costura, y siempre con el color como protagonista, dejando atrás el siglo XIX para emocionar al espectador de hoy.

    Prácticamente todos los trajes se hicieron a mano salvo algunas prendas compradas, que luego fueron deshechas y confeccionadas nuevamente. “Creamos nuestra especie de fábrica milagro. Juntamos a un equipo experto de compradores, costureros, cortadores y sastres que hicieron realidad nuestros sueños. Nuestro lema era seguir arriesgando y probarlo todo”, nos dice Mirojnick.

    Hugh Jackman

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    La primera gran prueba para Mirojnick fue el propio P.T. Barnum. “No hay nada que me guste más que diseñar ropa de caballero. Poder vestir a Hugh como Barnum ha sido un gran placer sobre todo porque él puede llevarlo todo y no hay nada que se le resista. Es ponerse el traje y convertirse en el personaje de una forma que ni siquiera pensaste”.

    Barnum viste de seda y lana con un look de maestro de ceremonias, completado en el escenario por una chaqueta roja, hecha a medida, para ajustarse al torso de Jackman, por el maestro sastre D. Barak Stribling. Dice Mirojnick: “No es el look cuadrado típico del maestro de ceremonias. Más bien es una especie de chaqueta que se adapta a su cuerpo acentuando sus piernas y gestos al bailar”.

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    A medida que Barnum experimenta el éxito, Mirojnick le aportó una imagen más propia de un dandi, cual pavo real, ejemplificado por el verde y el morado, y el traje de cuadros que lleva cuando conoce a la Reina Victoria. Los tejidos todos son de comercios británicos. “Se trata de telas que podrías comprar perfectamente en Oxford Street” apunta Mirojnick. La diseñadora también confeccionó un traje azul de terciopelo para el final "un color que realza el color de los ojos de Jackman de una forma muy romántica".

    El Gran Showman

    Todos los caballeros de la cinta llevan chaquetas a medida que se adaptan a su cuerpo, pantalones de talle alto y ajustados, chalecos ceñidos y camisas de sastrería inglesa. “La única regla era: si queda bonito, está bien,” dice Mirojnick.

    Zac Efron

    Zac Efron fue otra joya para el equipo de vestuario. “Tiene el cuerpo y la elegancia de un bailarín como Nureyev” observa el ayudante de diseño de vestuario Patrick Wiley. Cuando Barnum le pasa la batuta a Phillip, Efron lleva un traje que incluye una chaqueta de terciopelo verde, dos estampados a cuadros diferentes, una camisa blanca y una corbata roja, un estilismo que sugiere un futuro más libre tras la rigidez del pasado victoriano.

    Michelle Williams

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    El look de Charity Barnum evoca el romanticismo clásico con tonos morados, rosas y pastel, con una línea que supone la mezcla de varios estilos de principios de siglo pasando por los años 30 y hasta nuestros días. Sus diseños son sofisticados, elegantes y en los momentos de fiesta acompañados de preciosos boleros de pelo.

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    Uno de los trajes preferidos de Mirojnick es el vestido que lleva para la canción “Tightrope”, que brilla ante la cámara gracias al plisado con lentejuelas sobre una gasa azul cielo. “Es un look icónico que bien podría ser Ginger Rogers o figurar en Dr. Zhivago o en cualquiera de esos momentos románticos en solitario de una señora que se siente sola y encuentra nuevamente el amor y se reencuentra con la belleza”.

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    Rebecca Ferguson

    Rebeca Fergunson

    El contrapunto de Charity es Jenny Lind (Rebecca Ferguson), cuyo estilo refleja tanto la grandeza liberadora del nuevo mundo del entretenimiento para el público general como la atemporalidad de un icono mundial. “Sentimos que Jenny Lind tenía que ser muy dramática. Con ciertas libertades creativas que nos tomamos, mostramos lo diferente que es de Charity,” explica Mirojnick. “Ambas son tremendamente atractivas, pero son contrastes entre el drama y la dulzura. El armario de Jenny es fuerte y estructurado. No hay punto de dulzura ni suavidad en ella”.

    Rebecca Ferguson

    El vestido que lleva Lind en su actuación reproduce las líneas sofisticadas de la casa Dior del icónico new look de mediados de siglo, que llevó la cintura de avispa a nuevos límites, mezclado con toques de la época dorada de Hollywood. "Se trata de un vestido que combina un poco de alta costura como de un par de prendas que encontré entre los restos de una tienda de novias", nos dice Mirojnick.

    Cada vestido se adaptó al cuerpo de Ferguson. “Todo refleja la belleza de Rebecca, la palidez de su piel, su cabello rojo ardiente". Ferguson siente la misma admiración por el trabajo del equipo: “los trajes que creó Ellen podrían aparecer perfectamente en la portada de Elle o Vogue el mes que viene, son así de actuales”.

    Zendaya

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    Los trajes de Zendaya son muy creativos y detallados. El equipo de vestuario dejó volar su imaginación con Anne Wheeler, papel interpretado por la cantante, una trapecista cuyos trajes representan el punto desenfadado de la juventud y su desafiante libertad. Sus colores insignia son turquesa, morado, plata y oro, una estética muy teatral que llega al límite de la creatividad sin llegar a ser estridente.

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    El morado le sentaba muy bien a la actriz y además es un tono habitual para familias de trapecistas en la historia, “además el color queda bien en altura y a Michael se le ocurrió la idea de añadir una tela fluida, de color lavanda detrás de Zendaya para aportarle aún más emoción visual”, apunta la diseñadora de vestuario.

    Zendaya

    El vestido de Zendaya en el tema “Rewrite the Stars” evoca la lencería vintage, con una camisola de seda y bragas rojas con un borde de encaje y botones de época. “Es muy difícil ubicar estos trajes en un periodo concreto y lo hemos hecho así adrede.

    Más bien, nuestra idea es que predomine la emoción, la música y la personalidad de los personajes para transportarte a una especie de mundo alternativo. Es divertida la inocencia del traje que lleva Anne cuando ensaya la canción, es tanto un guiño al pasado como lo es al presente”, dice Mirojnick.

    Keala Settle

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    Para el personaje de Lettie Lutz de Keala Settle, Mirojnick se inspiró en la versión el siglo XXI de Galliano del nuevo look de mediados de siglo de Dior: “Galliano nos inspiró a todos porque su actualización del New Look es alocada y porque su ropa tiene un ritmo que resulta exquisito e inspirador”. Y añade que “trabajar con Keala fue alucinante porque en sus pruebas de vestuario rompía a llorar porque no se podía creer que alguien le confeccionaría algo a medida que la permitiera expresarse de esta manera. Resultó ser una experiencia totalmente nueva para ella y fue genial ver converger a Keala y Lettie Lutz”.

    Vestido Morado

    Maquillaje y peluquería

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    Para aportar otro nivel de detalle a los personajes los encargados de maquillaje y peluquería son Nicki Ledermann y Jerry Popolis. Le dieron muchas vueltas al estilismo de cada personaje, en especial a 'Las Rarezas'. “Queríamos que el espectador viera su humanidad y no le distrajera su maquillaje protésico. El reto creativo era resaltar su humanidad” explica Ledermann. Y Popolis añade que: “queríamos que todos fueran bellos. 'Las Rarezas' no dan miedo, son criaturas hermosas”.

    El resultado es maravilloso, ver la transformación de su reparto tras meses de ensayo. “Llevábamos meses trabajando y sudando la camiseta literalmente y de repente los ves y parecen estrellas y celebridades. El vestuario, peluquería y maquillaje tenían una clase y encajaron a la perfección. Creo que cada persona se podía mirar al espejo y saber exactamente quién era su personaje”.

    Banda sonora

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    Canciones pop, bailes glamurosos y una celebración del poder transformador del espectáculo, el amor y la fe en uno mismo. El director mezcla canciones originales de los ganadores del Oscar Benj Pasek y Justin Paul, (La ciudad de las estrellas-La La Land) que junto con el reparto de talentos encabezado por Hugh Jackman, sumerge al público en los orígenes del entretenimiento de masas y las grandes celebridades en la década de los setenta.

    Una gran trabajo que duró muchos meses. Por ejemplo, de la canción de apertura, "The Greatest Show", la que enmarca la película, se escribieron hasta seis versiones hasta dar en el clavo.

    John Debney es el responsable de la banda sonora, uno de los compositores más exitosos de Hollywood.

    Tráiler

    A continuación os dejo el tráiler que os va a dejar con ganas de más:

    Fotos | Fox

    En Trendencias | Así es el fascinante vestuario de 'Asesinato en el Orient Express'


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    Para los amantes del buen cine y la moda El hilo invisible es una de las películas más esperadas de 2018 y que ha logrado seis nominaciones a los Oscar. La producción, dirigida por Paul Thomas Anderson, está protagonizada por Daniel Day-Lewis, en lo que supone su última película, al menos así lo ha dicho el actor, junto con Lesley Manville y Vicky Krieps. Anderson pinta un luminoso retrato tanto de un artista en un viaje creativo, como de las mujeres que hacen girar su mundo, y todo acompañado de un espectacular vestuario.

    La película está ambientada en el glamuroso Londres de los años 50, tras la II Guerra Mundial, donde el célebre modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) son el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico: visten a la realeza, estrellas de cine, herederas, miembros de la alta sociedad, debutantes y damas con el inconfundible estilo de la Casa Woodcock.

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    El Sr. Woodcock no es un hombre fácil, tratar con él casi se equipara a enfrentarse a los ejércitos fascistas. Tiene un enorme talento, es el mejor, pero también es quisquilloso, egocéntrico y difícil. En la firma, que la lleva con su hermana, incluso hay reglas para las reglas. Las modelos y las clientas van y vienen en su vida, ofreciéndole inspiración y compañía momentánea, mientras Cyril se ocupa de que La Casa funcione sin impedimentos. En realidad, la empresa funciona gracias a las mujeres: la clientela, una rica inversora llamada Bárbara Rose (Harriet Sansom Harris) y a su hermana, la inteligente directora.

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    Por la vida del diseñador desfilan todo tipo de mujeres, brindándole inspiración y compañía, hasta que se cruza en su camino Alma (Vicky Krieps), que pronto se convierte en un pilar en su día a día como musa y amante. La vida de Woodcock, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada como todos sus patrones de costura, se ve sacudida por el amor. En El Hilo invisible vemos también el esfuerzo por captar y retener el amor con un peligroso telón de fondo llamado The House of Woodcock.

    Daniel Day-Lewis

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    Daniel Day-Lewis interpreta al diseñador Reynolds Woodcock. El actor, para prepararse el papel, leyó todo lo que encontraba sobre los grandes modistos y se documentó haciendo frecuentes visitas el Centro del Traje Anna Wintour del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, donde estudió de primera mano los trajes diseñados por grandes modistos, además de aprender a coser con Marc Happel, el director de vestuario del Ballet de la Ciudad de Nueva York.

    "Le enseñaron absolutamente todo, empezando con lo más básico, antes de pasar al corte, a las medidas y a las pruebas. Al final demostró lo que había aprendido copiando a la perfección un traje de Balenciaga," nos explica Anderson. Un modista controlador y obsesionado con el estilo, como lo estuvieron Beau Brummell, Cristóbal Balenciaga o como le pasaba al personaje del viudo Maxim de Winter en Rebecca (1940).

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    Daniel Day-Lewis dice: "Nací en 1957; crecí en esa época, hay una conexión. El desarrollo artístico en Inglaterra fue muy específico, seguía habiendo restricciones en muchas áreas de la sociedad. Curiosamente, algunos diseñadores de moda florecieron a contracorriente de lo que estaba pasando a otros niveles. Pero también creo que no era tarea fácil ir contra los cánones de la sociedad de entonces".

    El florecimiento de la Alta Costura y sus preciosos talleres

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    A principios de los años cincuenta del siglo pasado, Londres era el centro de la industria de la moda británica. La ciudad seguía marcada por las huellas de la destrucción de la II Guerra Mundial. Aún se notaba el impacto del racionamiento de ropa, a pesar de haber finalizado en 1949. Las telas de lujo, base de la alta costura, podían exportarse, pero había pocas disponibles para ser usadas en Gran Bretaña, y la falta de mano de obra tampoco ayudaba.

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    Sin embargo, la capital albergaba un pequeño grupo de modistos con base en el lujoso barrio de Mayfair casi todos instalados en casas señoriales del siglo XVIII. Estas residencias habían sido compradas por sastres y modistas que vestían a la corte durante el siglo XIX y evolucionaron de forma natural en las casas de alta costura del siglo XX. De hecho, casi todas conservaban las decoraciones originales, por lo que los suelos de parqué, las grandes chimeneas, los mármoles, los grandes ventanales, las arañas y los techos altos se convirtieron en la estética habitual del comercio de la moda londinense.

    Los decorados son cruciales para que un actor pueda caracterizar a su personaje. El diseñador de producción y su equipo decidieron utilizar decorados existentes siempre que fuera posible en vez de recrearlos en el plató de un estudio. Entre estos decorados destaca la elegante casa que el equipo de Tildesley descubrió en Fitzroy Square, no lejos del lujoso barrio de Mayfair, donde vive y trabaja Reynolds Woodcock.

    Las casas de moda de Londres se basaban en el modelo de París, donde el diseño y la manufactura tenían lugar bajo el mismo techo, aunque a una escala mucho menor. Los clientes entraban en los estrechos edificios por el piso bajo, y los salones servían de recepción, sala de espera e incluso de despacho del diseñador. Una escalera, situada habitualmente en el centro de la casa, llevaba al primer piso, con los salones de exposición y los probadores. Los talleres, divididos entre sastres y modistas, estaban en la parte trasera y en el último piso.

    El Hilo Invisible

    El tamaño de las casas de moda londinenses variaba mucho, pero eran bastante más pequeñas que las casas parisinas. En 1952, las dos casas de moda más famosas de Londres, Norman Hartnell y Hardy Amies, que diseñaban para la Reina, tenían 400 y 200 empleados respectivamente, pero una casa más pequeña, como la de Michael Sherard, funcionaba con un equipo de 40 personas. En comparación, las grandes casas de París de la misma época podían tener entre 500 y 850 empleados, y diseñaban varias colecciones cada año.

    La casa de Londres de la película es elegante, discreta, llena de flores, un lugar neutro con mucha luz natural. Para dar vida a House of Woodcock se tuvieron en cuenta muchos aspectos visuales, desde el papel de las paredes a la iluminación, incluidas las arañas, los espejos, los parqués de madera de cerezo y las alfombras inglesas.

    La Alta Costura solo se hacía con las mejores telas y adornos cosidos a mano por las mejores modistas y hechos a medida para cada clienta. Se realizaban tres pruebas de media y se tardaba unas cuatro semanas en entregar el modelo. Las prendas realizada por las casas dependía totalmente de las clientas y de su vida social. Las prendas habituales incluían el vestido de puesta de largo, otros vestidos de baile, ropa deportiva y trajes de chaqueta para la ciudad y el campo. Las bodas eran otras fuentes de encargos para los modistos. Todo esto se refleja en la película.

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    El look de los años cincuenta seguía los dictados de París y estaba dominado por el New Look de Christian Dior, la cintura de avispa. Desde 1947, este estilo recordaba bastante a la típica silueta miriñaque con talles encorsetados y faldas amplias de cien años antes.

    Los diseños estilo New Look eran creaciones sumamente elaboradas a partir de costosas sedas soportadas por varias capas de tul. Los trajes de noches solían ir acompañados de zapatos y guantes largos a juego. Los trajes de chaqueta perdieron las hombreras a favor de un diseño más natural y entallado, y los accesorios siempre iban a juego con el traje, y los sombreros se remataban con impresionantes plumas.

    El vestuario

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    El vestuario es un personaje más de la película. Analizando cómo era el estilo de la época, un factor crucial para la producción de la película era la creación de los diseños, que debían parecer auténticos y alcanzar el nivel de sofisticación de los modistos de Londres del momento.

    El director no quería alquilar trajes de época en empresas de vestuario ni pedirlos prestados a museos. Quería creaciones desde cero. Mark Bridges (The Artist) es el responsable de vestuario. Paul Thomas Anderson le pidió que contara la historia a través del vestuario, sus diseños debían reflejar el estado psicológico de los personajes.

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    El veterano diseñador, que ha trabajado en todas las películas del director desde Hard Eight, Sidney (1996), no se inspiró en un único modisto. Se documentó de forma mucho más amplia, abarcando toda la época, para crear cincuenta trajes únicos, entre los que están los nueve vestidos originales que aparecen en la secuencia del desfile de primavera.

    Mark empezó estudiando ejemplares de Vogue y de Harper's Bazaar de la época antes de pasar a las imágenes de archivo en YouTube. Además de eso, se reunió en varias ocasiones con Paul Thomas Anderson y Daniel Day-Lewis para determinar el estilo exacto de House of Woodcock. "Tardamos un día en decidir qué colores y texturas usaría la firma. Al final nos inclinamos por tonos oscuros e intensos con mucho encaje, y con mezclas de satén y terciopelo en algunos modelos."

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    El diseñador empezó a buscar prendas en Los Ángeles, París. Roma y Londres. Sin embargo, gran parte de lo que encontró, aunque glamuroso y de la época deseada, estaba descolorido y usado: "la seda no dura eternamente, incluso si los trajes se guardan con cuidado. El tiempo pasa y las polillas existen. La mayoría de los trajes que encontramos nos sirvieron para inspirarnos y para entender las técnicas usadas entonces. Cada vez que duplicamos un modelo, intentamos encontrar el mismo tipo de tela."

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    Mark Bridges y su equipo también tuvieron acceso a los archivos de la moda del Museo Victoria y Alberto, donde examinaron de cerca trajes icónicos diseñador por Cristóbal Balenciaga y Hardy Amies. Estos sirvieron de inspiración para trajes clave en la película, y Vicky Krieps lució varios de ellos: "fue de gran utilidad poder estudiar el archivo de moda porque nos permitió ver el estilo del corte y la construcción del traje. Es asombroso descubrir la sencillez del concepto de muchos trajes, incluso de los encajes que tanto gustaban a Balenciaga, elaborados con increíbles detalles".

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    El diseñador de vestuario también aprovechó la inmensa red de artesanos de Londres para vestir a personajes principales y secundarios. Muchos llevan décadas en el negocio y han contado o cuentan con miembros de la aristocracia y de la familia real entre sus clientes. Supervisó las pruebas de los trajes y trajes de Daniel Day-Lewis hechos por la casa Anderson & Sheppard, de Savile Row, establecida en 1906 y que tuvo al Duque de Windsor como cliente. Los zapatos del actor fueron hechos a medida por George Cleverley, que abrió su tienda en 1958. La sombrerera Sophie Lamb, creadora de máscaras y joyas de fantasía para la Royal Opera House, realizó los elegantes sombreros de Day-Lewis en varias escenas clave, colaborando con un especialista en tintes para conseguir la tonalidad exacta.

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    El vestuario de Lesley Manville (Cyril) es oscuro para resaltar el tono de piel. La actriz luce una serie de trajes de chaqueta y vestidos obra del sastre Thomas Von Nordheim, que aprendió el oficio en House of Lachasse, la última gran casa de Alta Costura de Londres.

    En esta película, el vestuario refleja los cambios por los que pasan los personajes. Por ejemplo, la transformación de Alma (Vicky Krieps), de camarera en un café a musa y modelo de Reynolds Woodcock. "Empecé vistiéndola de forma sencilla, incluso con ropa heredada de su madre, de segunda mano y a menudo remendada. A medida que se hace con Casa Woodcock, el diseño y las texturas de su ropa cambian, pero Alma sigue siendo la misma", explica Mark Bridges.

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    Vicky Krieps luce vestidos que había encontrado en museos y en empresas de vestuario. Ella misma nos cuenta su fascinante experiencia: "nunca me había imaginado desfilando ni haciendo el papel de una mujer que pudiera permitirse llevar ropa tan lujosa y refinada, pero lo más alucinante es que parecía hecha a medida".

    Tráiler

    Ya sé que tenés muchas ganas de verla, así que de momento os dejo el tráiler hasta su estreno el próximo 2 de febrero.

    La película ha logrado seis nominaciones a los Oscar: mejor película, mejor dirección (Paul Thomas Anderson), mejor actor (Daniel Day Lewis), mejor actriz de reparto (Lesley Manville) mejor banda sonora original y mejor diseño de vestuario.

    Fotos | Universal

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    La Bella Y La Bestia

    Comienza la cuenta atrás para los Oscar y en Trendencias no podemos dejar de hacer un repaso a los nominados en la categoría de Mejor Vestuario. La Bella y la Bestia, El instante más oscuro, El hilo invisible, La forma del agua y Victoria y Adbul son las películas que competirán por la estatuilla el próximo 4 de marzo.

    La Bella y la Bestia

    Vestido Amarillo De La Bella Y La Bestia

    La oscarizada diseñadora de vestuario Jacqueline Durran, responsable de títulos como Macbeth o Anna Karenina, es la responsable del fascinante vestuario de *La Bella y la Bestia.* El equipo comenzó a trabajar tres meses antes del rodaje porque Durran lo diseñó todo. Desde los trajes de campesinos y aldeanos a los sofisticados vestidos de baile (creaciones ticos y sostenibles), aunque su mayor dificultad fue crear el vestido que lleva Bella cuando baila con la Bestia en el salón de baile del castillo, el famoso vestido amarillo. El vestido se creó con múltiples capas de organza de raso muy ligero y teñida de color amarillo (55 metros en total), que se cortó de forma circular. Un diseño que necesitó 914 metros de hilo y se adornó con 2.160 cristales de Swarovski. Se emplearon 12.000 horas para su confección

    La forma del agua

    La Forma Del Agua 080 Sow 02264

    La Forma del Agua cuenta con 13 nominaciones para los Oscar, incluido el vestuario. Luis Sequeira, es el responsable del mismo. Diseños sencillos que representan la clase obrera, en colores ocres, azules y verdes. El equipo creó absolutamente todo desde los sombreros, los zapatos vintage, las joyas y hasta la ropa interior.

    El instante más oscuro

    El Instate Mas Oscuro

    Jacqueline Durran es la responsable de vestuario fundamental para la interpretación de Gary Oldman. Puede decirse que el actor trabajó desde dentro en cuanto a la voz y a las expresiones faciales, pero el vestuario le ayudó a externalizar a Winston Churchill. Una vez más, el equipo se concentró en ser absolutamente fidedigno a la época cuidando hasta el más mínimo detalle. Para los trajes de Winston Churchill la creadora comenzó a trabajar seis meses antes, estudiando detenidamente lo que llevaba en fotos y documentales, y lo copió con exactitud.

    El hilo invisible

    El Hilo Invisible

    Mark Bridges (The Artist) es el responsable del fabuloso vestuario de esta película en la que la moda es la protagonista, ya que está ambientada en el glamuroso Londres de los años 50. Época en la que el célebre modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) son el centro de todas las miradas en el mundo de la moda británico: visten a la realeza, estrellas de cine, herederas, miembros de la alta sociedad, debutantes y damas con el inconfundible estilo de la Casa Woodcock. La historia se cuenta a través del vestuario, ya que los diseños reflejan el estado psicológico de los personajes. Muchas de las creaciones son originales, inspiradas en Cristóbal Balenciaga y Hardy Amies.

    Victoria y Adbul

    La Reina Victoria Y Abdul

    Consolata Boyle es la responsable del vestuario, tanto de los tradicionales atuendos ingleses como de las galas indias. Esta es su tercera nominación (The Queen,Florence Foster Jenkins). El vestuario ayuda a contar la historia. Victoria luce muy oscura al principio, con muchas prendas y texturas de color negro. Pero hay un progreso en su forma de vestir, ya que a medida que la relación entre Abdul y la Reina se intensifica, él le hace abrir los ojos a la soberana y su vestuario se adapta a ese cambio: las prendas y las tonalidades se aligeran. Todos está cuidado con mucho detalle.

    En Trendencias | Moda de cine


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    El vestuario de 'Ocean's 8' está cargado de creaciones de los mejores diseñadores del mundo

    Sandra Bullock, Anne Hathaway, Cate Blanchett, Helena Bonham Carter, Mindy Kaling, Elizabeth Bank, y hasta la mismísima Rihanna, protagonizan Ocean’s Eight, la versión femenina de la saga de acción y comedia. Un spin-off con un elenco femenino muy apetecible y un argumento muy divertido: un robo a lo grande nada más y nada menos que en plena Gala del MET.

    Argumento

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    Han pasado más de 10 años desde que un equipo liderado por Ocean estafó millones de dólares. Ahora, una nueva pandilla va a llevar a cabo un robo espectacular. Pero esta vez, Debbie Ocean (Sandra Bullock) es el cerebro del plan, y sólo va a necesitar ocho mujeres muy cualificadas para llevarlo a cabo. ¿El objetivo? Robar el Toussaint, un collar de diamantes de Cartier único en el mundo y valorado en 150 millones de dólares.

    La película, que se rodó íntegramente en Nueva York, está dirigida por Gary Ross (Los juegos del hambre). Tanto el cineasta como el director de fotografía, Eigil Bryld, aprovecharon al máximo la ciudad que nunca duerme. Sarah Edwards es la responsable del magnífico vestuario, cargado de creaciones de los mejores diseñadores del mundo.

    El vestuario general

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    En la película podemos ver dos tipos de vestuario. El general y el de la gala. Los estilismos de la película son muy variados dependiendo del personaje, eso sí, cada protagonista ha tenido entre 45 y 60 cambios de vestuario. La diseñadora señala que el vestuario de Sandra Bullock se diseñó para reflejar "un personaje relajado pero refinado". Todo es muy minimalista, depurado y sencillo."Debbie Ocean necesita poder moverse de forma sigilosa en espacios y situaciones, así que los colores oscuros y las siluetas sencillas y depuradas resultaban perfectas”.

    Anne Hathaway interpreta a una starlet hollywoodiense, la reina de la ciudad. La actriz quería que fuera una Elizabeth Taylor moderna con algo de Barbie.

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    Cate Blanchett se decanta más por los estampados y los colores. “Queríamos que pareciera que son prendas que ha ido acumulando a lo largo del tiempo, una mezcla muy estudiada de texturas antiguas y nuevas con algunos estampados animales y cuero. Lou, su personaje, es la propietaria de un club nocturno muy elegante, y Cate tiene muchísimo estilo, así que su aportación fue esencial”.

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    Otra de las estrellas de la película famosa por su estilo es Rihanna, que, como Nine Ball, luce looks a base de monos vaqueros oversize, suéters grandes y botas militares.

    El collar de Cartier, un personaje más

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    En "Ocean's 8" el objeto del atraco es el Toussaint, la joya creada por Cartier, un collar que actúa como un personaje más. Así que los realizadores se dirigieron directamente a la firma con sede en París para crear un magnífico collar digno de los cinco años que Debbie Ocean ha pasado planeando para robarlo. Cartier no tardó nada en aceptar. La firma tiene un largo historial en el cine con películas tan emblemáticas como "Los hombres las prefieren rubias", "Con faldas y a lo loco", "El crepúsculo de los dioses" y "Alta sociedad”.

    Cartier

    Pierre Rainero, director de Imagen, Estilo y Legado de Cartier, afirma que los realizadores querían que el collar de diamantes tuviera dos características: “tenía que ser un collar importante, en términos de quilates, y además debía tener un toque histórico. Enseguida pensamos en uno de los collares de diamantes más significativos de nuestra historia”.

    Anne Hathaway

    El original fue diseñado en 1931 por Jacques Cartier para el Maharajá de Nawanagar, y se decía que era "la cascada más fina de diamantes de colores del mundo”. Estas joyas ya no existen, sin embargo, Cartier conservó en sus archivos un boceto del diseño y fotografías de la pieza. El boceto se utilizó como referencia principal para la realización del Toussaint de la película, que se llamaba así en honor a Jeanne Toussaint, directora creativa de Cartier de 1933 a 1970.

    En lugar de crear una copia exacta, Cartier utilizó la pieza de art decó como inspiración, así que movilizó los recursos de sus talleres de Alta Joyería en la parisina rue de la Paix y se pusieron a trabajar en la pieza los mejores joyeros. El collar tenía que ajustarse al apretado calendario del rodaje, normalmente tardan ocho meses en realizar un encargo de esta magnitud y lo realizaron en ocho semanas.

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    El Toussaint de la película se compone de diamantes perfectos e incoloros y óxidos de circonio montados en oro blanco. Se cuidó especialmente el acabado de los engarces, ya que los primeros planos no permitían ninguna imperfección. A pesar de ser una imitación, el collar cumple con los requisitos de Alta Joyería de Cartier en lo que se refiere a la artesanía y la excelencia.

    El tamaño del collar es un 20% más pequeño, ya que el original se diseñó para un hombre. Anne Hathaway dice de esta espectacular joya que luce ella, que han hecho un trabajo maravilloso: “La verdad es que no me di cuenta de lo especial que era hasta que en una toma mía subiendo las escaleras vi cómo resplandecía. Comprendí que era algo muy importante, la magia del cine".

    La colaboración de la película con Cartier también incluía rodar en una localización muy importante: la Mansión Cartier. Durante dos días, la tienda insignia de la joyería en la Calle 52 de Nueva York, estuvo cerrada al público para poder rodar.

    ¿Cómo se fue creando la Gala MET?

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    La Gala del MET no solo es una fiesta, es un evento anual en el que se recaudan fondos para el Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte y coincide con la inauguración de su exposición de primavera. Debido a limitaciones de tiempo y espacio, no se pudo reproducir en el MET el desfile de la película. Así que se montó en un set de los Gold Coast Studios en Long Island.

    El equipo de producción pasó casi nueve meses diseñando y construyendo el elaborado set para el desfile de moda de la película, titulado "El cetro y el orbe: Cinco siglos de vestidos regios”. El nombre fue elegido por Hamish Bowles, el Editor Internacional de Vogue, que ha sido comisario de varias grandes exposiciones de moda en los últimos años. Fue Anna Wintour quien le propuso como asesor en Ocean's 8. Bowles explica que "en vez de hacer ropa de época, concebimos la exposición en torno a la idea de los vestidos de la realeza y su influencia perdurable en los diseñadores de moda”.

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    Bowles logró persuadir a las mejores casas de moda para que le dejaran acceder a sus archivos. Se empaquetó y se envió al estudio una selección de vestidos de grandes diseñadores. Allí, los conservadores del museo los colocaron cuidadosamente sobre maniquíes creados para la ocasión y luego se montaron en el escenario.

    En el hall estilo Tudor, la influencia de la realeza británica se refleja en los modelos de Sarah Burton para Alexander McQueen, y de Maria Grazia Chiuri (en las fechas de rodaje) y Pierpaolo Piccioli para Valentino. La corte de Luis XIV de Francia se refleja en los vestidos de Dolce & Gabbana, Zac Posen, Jean Paul Gaultier, John Galliano para Christian Dior, Vivienne Westwood, Valentino y Alexander McQueen.

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    Todos los vestidos están engalanados con una deslumbrante colección de joyas de la corona, que hizo a mano el atrezzista Michael Jortner, trabajando con un joyero. Además del elegante esplendor regio, uno de los rasgos más llamativos del set es el estanque que cubre todo el espacio de forma que parece que los trajes flotan sobre él.

    El reparto y los realizadores de "Ocean's 8" tuvieron el privilegio de filmar las escenas de la Gala dentro del museo. Los realizadores pensaron en rodar el baile en un plató. Sin embargo, Ross se reunió con el presidente y director ejecutivo del Metropolitan Museum, Daniel H. Weiss, y éste permitió que se rodara durante dos semanas dentro del museo, algo que no había ocurrido en ninguna película anterior.

    La productora Susan Ekins nos explica que: "la emoción de rodar en Nueva York es indescriptible, y la ciudad no sólo proporcionaba un telón de fondo atractivo, también era muy acogedor. Tener acceso a un edificio tan emblemático como el Met fue un gran honor para todos nosotros”. Es uno de los museos más concurridos, por lo que la única manera de rodar en el museo era trabajar de noche. Tan pronto como las puertas se cerraban al público, a las 17:30h, el equipo se trasladaba al museo.

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    Para el desfile, los realizadores recurrieron a Alexandre de Betak, el famoso diseñador de desfiles de moda innovadores y memorables. Antes del rodaje, de Betak llevó a Gary Ross (el director) a ver tres desfiles de moda. Para la secuencia, Vogue ayudó a crear las primeras filas con los habituales de la Semana de la Moda de Nueva York.

    La colección del desfile es obra de la diseñadora de vestuario Sarah Edwards, que diseñó 50 looks diferentes en azules y grises, que recuerdan a los uniformes clásicos de las azafatas de líneas aéreas, haciéndose eco del estilo espacial de mediados de siglo. “Queríamos que el desfile fuera un error más que un fracaso. No queríamos que fuera horrible, solo algo que no se identificara con una clientela moderna”, dice Edwards.

    El vestuario del baile en la gala MET

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    La moda es el punto focal de la Gala del Met, y Sarah Edwards trabajó con algunos de los mejores diseñadores del mundo para vestir a las ocho protagonistas de la película. En primer lugar, habló con cada una de ellas para averiguar qué diseñador de moda consideraban más apropiado para su personaje. Pero para las actrices, los vestidos eran algo más que lo que se suele decir en una fiesta de este tipo y que es "¿De quién es el tuyo?”.

    Sandra Bullock de Alberta Ferretti

    Sandra Bullock De Alberta Ferretti

    El vestuario es simplemente fascinante. Se trata de superar los límites, de alta costura, de expresarse con telas y diseños. Sandra Bullock nos cuenta que todas las mujeres llevan vestidos increíbles en la Gala.

    Sandra Bullock

    "Alberta Ferretti diseñó mi vestido y era absolutamente maravilloso. No sé si fue intencionado, pero el apellido de mi personaje es Ocean, y cuando bajé la vista hacia la parte inferior del vestido y la cola, vi que había estrellas de mar, conchas y olas bordadas en oro y plata por encima de este mar de negro. Es una obra de arte”.

    Helena Bonham Carter de Dolce & Gabbana

    Helena Bonham Carter De Dolce Gabbana 2

    El vestido de Helena Bonham Carter también evoca el nombre de su personaje. La actriz luce un Dolce & Gabbana de estilo años 50 que la actriz explica así: "Fui a su taller y vi este vestido en la esquina, de estilo años 50, blanco con rosas por todas partes. Para mejorarlo, lo pintaron a mano para que las rosas destacaran dimensionalmente. Yo era como un jardín de rosas en movimiento”.

    Helena Bonham Carter De Dolce Gabbana

    Mindy Kaling de Naeem Khan

    Mindy Kaling De Naeem Khan

    Mindy Kaling se sintió muy identificada con el vestido de Amita: "Mi vestido lo diseñó Naeem Khan, de quien soy súper fan hace muchos años. "Él es indio y eso era muy importante para mí. Fue como hacer realidad el sueño de una mujer que ama la moda”. La deslumbrante creación se realizó en varios tonos dorados y todas las lentejuelas y las joyas se colocaron a mano.

    Awkwafina de Jonathan Simkhai

    Awkwafina

    Awkwafina, que interpreta a Constance, tiene un "momento Cenicienta" gracias a un vestido de Jonathan Simkhai. “Era espectacular, la cosa más bonita que jamás me pondré en toda mi vida”. Sin embargo, tuvo ciertos problemas con la 'alta costura'. “Me resultaba muy difícil andar con tacones, era como andar de puntilla, así que tuve que practicar con zapatos que no son botas Ugg".

    Sarah Paulson de Prada

    Sarah Paulson Sarah Paulson

    Sarah Paulson es Tamy y lleva un vestido de terciopelo azul marino de Prada del que dice que: "era todo lo que había soñado. He tenido la suerte de asistir a la Gala del Met en otras ocasiones y es una noche increíblemente glamourosa. Creo que todos, incluidos el departamento de arte, de vestuario, peluquería y maquillaje han sabido reproducir todo ese glamour a la perfección”.

    Cate Blanchett de Givenchy

    Cate Blanchett

    En vez de un vestido tradicional, Givenchy creó un look muy original para Cate Blanchett. Un mono maravilloso bordado con cuentas de esmeraldas "muy rockero... estilo Bowie y perfecto para su personaje", explica Sarah Edwards.

    Rihanna de Zac Posen

    Rihanna

    Rihanna interpreta a Nine Ball. La cantante luce un exquisito vestido diseñado por Zac Posen. “La silueta sencilla y el color eran perfectos para ella", explica Edwards.

    Anne Hathaway de Valentino

    Anne Hathaway De Valentino

    Anne Hathaway es Daphne Kluger y resplandece con una creación de Valentino. Un vestido fucsia con una capa de 7,5 metros que le daba un aspecto majestuoso, acorde con el tema de la Gala. Hathaway apunta que hace tiempo que viste de Valentino "así que estaba segura de que mi vestido sería increíble. Y me encantan las películas antiguas en las que un diseñador famoso creaba el vestuario de Grace Kelly o Audrey Hepburn. Así que vivir algo parecido me pareció maravilloso”.

    El vestido de Hathaway tenía un elemento exclusivo: era importante dejar suficiente espacio para el collar, así que el diseño era muy sencillo, un palabra de honor con líneas limpias y en un color que encajaba bien con los diamantes. Se estudió todo.

    Edwards está muy agradecida a los diseñadores que aceleraron la elaboración de los vestidos para cumplir con el calendario del rodaje. “Les pedimos que hicieran los vestidos en un plazo de tiempo casi imposible. “En el cine funcionamos con horarios frenéticos, algo que no sucede en las casas de alta costura. Todos hicieron un trabajo increíble para que los vestidos se hicieran, se entregaran y se ajustaran a tiempo".

    Además, varias firmas de moda prestaron cientos de vestidos y esmóquines para vestir apropiadamente a los extras que asistieron a la fiesta. Un vestuario de lujo.

    La fecha de estreno es el próximo 6 de julio.

    Fotos | Warner

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    El vestuario de 'Mamma Mia! Una y otra vez' es divino: caemos rendidas ante los looks setenteros de las chicas

    ¡Prepárate para volver a cantar y bailar, reír y llorar! Diez años después de que Mamma Mia! La película recaudara más de 600 millones de dólares en todo el mundo, regresa la segunda entrega Mamma Mia! Una y otra vez, un nuevo musical basado en las canciones de ABBA en la mágica isla griega de Kalokairi como telón de fondo. Una película que cuenta con el reparto original y nuevas incorporaciones como Lily James, Andy García y las mismísima Cher. Un maravilloso vestuario de estilo setentero y una banda sonora que te levantará de la butaca.

    Sinopsis

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    Si quieres volver a cantar y bailar con canciones de ABBA diez años después de Mamma Mia! llega a la gran pantalla la segunda parte, una entrega que vuelve a reunir al reparto original con Meryl Streep, Julie Walters, Christine Baranski, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgård, Amanda Seyfried y Dominic Cooper, al que se incorporan para esta nueva historia Lily James, Josh Dylan, Hugh Skinner, Jeremy Irvine, Alexa Davies, Jessica Keenan Wynn, Andy García y Cher. Un cinta dirigida por Old Parker, responsable también del guión.

    Esta segunda entrega cuenta la historia de cómo se conocieron los personajes de la primera película en ese mágico verano, a la vez que narra sus vidas en el presente.

    Michele Clapton es la responsable del vestuario de la película. Clapton se ha ocupado del diseño de vestuario de Juego de Tronos, por la que ha sido nominada a seis premios Emmy, de los que ha ganado tres, dos al Mejor Vestuario en una Serie (2013, 2014) y uno al Mejor Vestuario en un Serie, Miniserie o Telefilm de Época y Fantasía (2016). Volvió a ganar otro Emmy en 2017 por la serie The Crown. También ganó el BAFTA al Mejor Vestuario de Televisión en 2017 por The Crown y el BAFTA Técnico en 2018 por Juego de Tronos.

    Vestuario de estilo años 70

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    La galardonada diseñadora se documentó detalladamente para vestir al reparto. La década de los 70 es la clave estilística de Mamma Mia! Una y otra vez con prendas casual y llenas de color, algunas caseras y otras incluso desentonan pero están perfectamente pensadas… un vestuario muy vistoso, espléndido, pero a la vez natural. ¿El resultado? Fantástico y divertido. “El look de los setenta ha vuelto a estar de moda. Me gusta que la moda sea cíclica, pero siempre regresa aportando algo diferente,” explica la diseñadora.

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    El mundo de Donna en 1979 (Lily James) incluye algunas prendas sorprendentes, y la actriz estaba encantada con la idea de que la vistiera Michele Clapton. "Cuando me presenté a las primeras pruebas de vestuario y vi lo que Michele había escogido, supe inmediatamente que entendía quién era Donna", cuenta la actriz. "La ropa para el número 'When I Kissed the Teacher' era perfecta, se nota que es hecho a mano, que la hemos realizado con las cortinas de la residencia de Oxford. Evoca el típico decorado, papel y cortinas a rayas de los setenta, pero a la vez también es joven, inventiva, divertida. Capta el momento a la perfección," añade Clapton.

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    "Ese número es ideal para lanzar la película. Es un momento que se inspira en el clásico Sonrisas y lágrimas, cuando cortan las cortinas rayadas para sus trajes. A eso le añadimos unas estrellas y unas largas boas de plumas falsas como toque final," dice Clapton.

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    Uno de los looks más llamativos es el escogido para el número de "Mamma Mia!" en la taberna griega. Estilismos con vaqueros con volantes, tops elásticos y botas del estilo de principios de los 70, sin las plataformas que llegaron después. La diseñadora explica que las botas no tenían plataforma por seguridad: “porque corren y saltan en las mesas. Además, cuando uno se disfraza, usa lo que tiene a mano. Encontramos tres pares de botas doradas que encajaban de maravilla con los trajes, a los que añadimos algo especial para que cada personaje tuviera un elemento propio”.

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    Las Dínamos de los setenta, que así se llaman Donna y sus amigas Tanya (Jessica Keenan Wynn) y Rosie (Alexa Davies), lucen unas prendas increíbles creadas en exclusiva por la diseñadora. "La ropa estilo años setenta que llevamos es una locura y muy diversa porque pasamos de relajarnos en la habitación de la residencia a bailar en una taberna griega", dice Davies.

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    En cuanto a las actrices y actores que repetían, que ya estaban en la primera entrega, la diseñadora actualizó su estilo de acuerdo con los cambios en sus personajes. Por ejemplo, Tanya papel interpretado por Christine Baranski, volvió a casarse y a divorciarse, cuida mucho su apariencia, tiene mayor poder adquisitivo y lleva prendas caras.

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    Rosie (Julie Walters) tiene éxito, pero sigue llevando vestidos llenos de color. De todo el reparto, la ropa de Bill (Stellan Skarsgård) es la que menos ha cambiado porque nunca ha ido a la moda y lleva más o menos lo mismo que en la anterior entrega.

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    El equipo pensó mucho el estilismo de Meryl Streep en su única escena. Desde el principio se pensó que debía ser el pantalón con peto porque es la prenda que se asocia a Donna: "todos tuvimos la misma idea cuando vimos el plató y conocimos el desarrollo de la escena. Pero intentamos añadir un toque especial con una bonita blusa estampada en azul. Fue muy emocionante cuando Meryl vino para la prueba de vestuario, todos sentimos que había vuelto el corazón de Mamma Mia!".

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    Sophie, papel de Amanda Seyfried, ha cambiado mucho desde la primera película y sus outfits reflejan esos cambios. En esta entrega luce pantalones con sofisticados tops. "Sophie ahora es dueña del hotel. Ya no puede ser la hippy de antes. Se ha centrado y debe notarse en sus prendas,” explica la diseñadora de vestuario.

    Amanda Seyfried

    Para el bautizo de su bebé luce un vestido de mariposas. "Encontramos una prenda con un precioso estampado de mariposas, pero solo era un top y necesitábamos un vestido, así que se nos ocurrió comprar tres y convertirlos en un vestido. La joven Donna siempre lleva una mariposa en el cuello y nos pareció precioso que Sophie llevara un estampado de mariposas en memoria de su madre”.

    Otra prenda habitual de Sophie es un poncho multicolor, otra conexión con la joven Donna, que lleva un poncho naranja de punto al principio de la película.

    Cher

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    La diseñadora disfrutó vistiendo a uno de sus ídolos: Cher. Para ella creó piezas muy especiales. “Sabe cómo llevar la ropa, hace que una prenda cobre vida cuando se la pone. Tiene mucho cuidado con su vestuario, quiere saber el porqué de cada prenda. Fui a su casa de Los Ángeles antes de que empezáramos a rodar para hablar de las ideas que tenía. Por ejemplo, le propuse que el traje que lleva Ruby durante su llegada sorpresa fuese del color de la luna".

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    Cher estaba totalmente de acuerdo, pero durante las pruebas se dio cuenta de que la chaqueta no funcionaba para la coreografía de la canción, entonces se diseñó un top joya para que pudiera llevarlo por debajo con mangas largas acabadas en puños color plata líquida. "Captó la luz de maravilla cuando bajó por las escaleras del hotel Bella Donna".

    Famosa por sus innovadores trajes, Cher nos habla del estilo de su personaje: "La verdad que Ruby lleva looks un poco más discretos. Es abuela y tiene mucho estilo. Por ejemplo, si lleva una prenda con estampado de leopardo, ya no es marrón y negro, sino gris carbón y gris claro, con una blusa blanca. Destaca mucho más".

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    Banda sonora

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    La banda sonora de la película incluye algunos de los grandes éxitos de ABBA y otras canciones menos conocidas. Están los clásicos como 'Waterloo' o 'Dancing Queen', pero también otras maravillas como 'When I Kissed the Teacher', 'I've Been Waiting for You' y la preciosa 'My Love My Life'.

    Cher, la diva de esta cinta, considera que la música de ABBA es atemporal e icónica: "Antes, cuando escuchaba a ABBA, me gustaba la música, pero nunca escuchaba la letra. No supe realmente de qué iba 'Fernando' hasta que empecé a cantarla, y entonces me di cuenta de la profundidad de la letra. No componen ni escriben desde un enfoque inglés o estadounidense, por eso las letras son diferentes. Me quedé atónita. Luego escuché 'Super Trouper' y reconocí inmediatamente a la chica de la que habla. ABBA sabía contar una historia con una canción".

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    Precisamente “Fernando” tiene un lugar especial en la película, un tema interpretado por Cher y Andy García. "Fernando es una canción acerca de un hombre y una mujer que se conocieron en 1959, durante la revolución. Se amaban profundamente, pero la vida los separó. Cuando vuelven a encontrarse son viejos y tienen el pelo canoso, pero la pasión no ha muerto. Es una canción sobre dos personas durante la guerra. Me parece preciosa, la cantamos al estilo de una balada".

    Cher disfrutó mucho interpretándola con Andy Garcia: "Canto para Andy y él canta para mí. Trabajar con otro actor que siente la música y sabe interpretar es realmente asombroso. Cuando ruedas un videoclip piensas en la letra, pero no tienes a nadie delante. Pero esto fue una interpretación en toda regla, estábamos embelesados".

    Las Dínamos interpretan una selección de canciones de ABBA. La primera es 'When I Kissed the Teacher', una canción superdivertida con la que arranca la historia. Es perfecta como trampolín para hablar del empoderamiento, la sororidad y la independencia de la mujer. “También hacemos una versión asombrosa de 'Mamma Mia!', que empieza a capela y es absolutamente conmovedora, pero que explota y se vuelve totalmente loca," sentencia el director.

    Música, baile, historias de amor, un fantástico vestuario, paisajes de ensueño y un reparto de lujo son alicientes perfectos para hacer una visita obligada al cine de este verano y pasar un rato divertido con 'Mamma Mía! Una y otra vez' que se estrena este viernes 20 de julio. ¿Te la vas a perder?

    Fotos | Universal Pictures

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